вторник, 7 марта 2017 г.

7 марта. Мондриан: Новый реализм в ритмах буги-вуги, или о художнике, покорившем программистов


Сегодня исполняется 145 лет со дня рождения нидерландского художника Пита Мондриана, которого ставят в один ряд с Казимиром Малевичем и Василием Кандинским, называя основоположником абстрактной живописи. Но если Малевича и Кандинского мы худо-бедно знаем, то Мондриан до сих пор массовому зрителю незнаком, не смотря на то, что он оказал влияние на формирование ряда направлений в современном искусстве – к примеру, минимализм и поп-арт восходят к творчеству Мондриана. Апогеем его творчества стали «геометрические картины», пространство которых заполнено прямоугольниками и квадратами первичных цветов. И при всей кажущейся простоте работ Пита Мондриана, они таят в себе множество интереснейших фактов. «В будущем, – пишет Мондриан, – осуществление чистого выражения формы в наглядной реальности нашей среды заменит искусство. Но чтобы достигнуть этого, необходима ориентация на всеобщие представления и освобождение от груза природы. И тогда нам не нужны будут больше картины и скульптуры, ибо мы будем жить в осуществленном искусстве».

Родной дом Мондриана в Амерсфооте, ныне музей
Питер Корнелис (Пит) Мондриан (нидерл. Pieter Cornelis (Piet) Mondriaan [ˈpit ˈmɔndrijaːn]) родился 7 марта 1872 в небольшом голландском городке Амерсфорте, в семье со строгими кальвинистскими убеждениями. А это означало приверженность к аскетическому образу жизни. Отец Мондриана, директор местной школы, едва сводивший концы с концами, пытаясь прокормить кроме будущего великого художника, ещё двух сыновей, дочь и слабую здоровьем жену, был страстным протестантом и принимал участие в религиозном движении против христианского воспитания молодежи, часто бывая в разъездах. Мондриан вспоминал, что их дом находился в плачевном состоянии, мать часто болела, и все хозяйство с восьмилетнего возраста вела старшая сестра Джоанна Кристина. Первые уроки рисования давали ему отец и дядя, Фриц Мондриан, профессиональный пейзажист. На пару с отцом он делал даже религиозные литографии для церкви. Однако тот не хотел, чтобы сын стал художником, и настаивал, чтобы он выучился на учителя рисования.

Академия визуальных искусств (Амстердам)
Питер пошел ему навстречу и, закончив в 1886 году школу, приступил к работе преподавателя рисования в начальной школе, однако спустя 6 лет все же решил продолжить учебу и уехал учиться в Королевской Академии искусств в Амстердаме, где увлекся пейзажной живописью. Узнав об этом, отец наотрез отказался оплачивать его учебу. С деньгами помог дядя.

Автопортрет, 1900
Но обиду на отца Питер пронес до конца жизни. Даже когда отец скончался в 1921 году, Мондриан не поехал на его похороны. «Мой старый господин умер, — писал он другу, — но это мало печалит меня, и ты знаешь почему».

«Деревенская церковь». 1898
Женщины и дитя перед фермой, ок.1900
Портрет девочки с цветами, 1900-01
Коровы в поле, окаймленном ивами, ок.1904
Ветряная мельница, 1905-06
"Красивое дерево на берегу Гейна", 1906-1907
«Мельница в солнечном свете». 1908
Леса вблизи Уле, 1908
Цветок страсти, ок.1908
Ранние работы Мондриана выполнены в манере старых голландских мастеров («Лесной ручей», 1888), хотя все отчетливее становился влияние импрессионизма. Но не академические опыты («Натюрморт с рыбой», 1893) принесли известность молодому художнику, а так называемые «вечерние пейзажи». В сумерках, в лучах закатного солнца Голландия - ее дюны, деревья, ветряные мельницы - предстает в мондриановских картинах этого этапа загадочно-поэтической («Вечер на берегу Гейна», 1906). Один из первых критиков творчества Мондриана заметил, что его пейзажи «переворачивают душу, трогают до самых ее глубинных уголков».

Вид на дюны с пляжем и пирсом. 1909
Дюна IV, 1909-10
Дюны, пейзаж, 1910-11
Со своим этюдником Мондриан обошел все нидерландское побережье. Его манили дамбы и каналы Голландии. Рисуя витиеватые пейзажи, он забирался порой в самую глушь, и даже смотрители дальних маяков считали его соседским парнем. Но эффектные вещицы, сделанные на пленэре, были так похожи на работы Эмиля Нольде, Чюрлениса, Мунка! Лучше бы он не рисовал эти этюды. Вполне приличные с точки зрения ремесла, они еще не отмечены печатью уникальности и самобытности автора, имя которому — Пит Мондриан. Фантастические цветы и загадочные мельницы, мрачноватые рощицы и женские образы — художник погружен в этот мир матовых грез и изобилия красок, и его идея скрывается под грунтом.

Evolution Huile sur Toile Triptyque, 1911
Биографы, а прежде них искусствоведы, яростно терзают тень почившего мастера, выискивая различных роковых мыслителей, изменивших привычный ритм его художественного пути. Вооруженные премудростью философских словарей они объявляют о бесспорном влиянии на Мондриана Елены Блаватской, в то время весьма популярной русской визионерки, создавшей всемирно известное Теософское общество, в голландское отделение которого и художник и вступил в 1909 году, оставаясь его членом до конца жизни. Мондриан отдал дань и антропософии немца Рудольфа Штайнера, с удовольствием перечитывая его книгу лекций (с которой не расставался до самой смерти) и даже делая к ней свои примечания. Все эти теософские идеи привлекали молодого Мондриана. Под влиянием мистицизма художник, пытаясь «осмыслить и воплотить anima mundi» (лат. «мировая душа»), взялся за перо и принялся за разработку собственных искусствоведческих теорий, в частности теории взаимоотношений вертикального (мужского) и горизонтального (женского) объема, идеальное соотношение которых и станет, по его мнению, той гармонией, которая будет способна изменить человека и преобразовать мир: «Чисто пластическое видение реального мира должно сформировать общество нового типа — точно так же, как сейчас оно формирует новое искусство. Это будет общество, основанное на равновесии материального и духовного, и в нем будут господствовать умиротворенные гармоничные отношения». По его мнению, абстракционизм противостоит «грубой примитивной животной натуре человека, однако он плоть от плоти истинной человеческой природы. Идеи теософии особенно отразились в триптихе «Эволюция» (1910—1911 гг.) Три женщины с магическими символами за спиной — как три воплощения космической энергии, ее созидательных начал. В этой работе еще сказывается влияние искусства модерна, но уже обозначен путь автора, связанный с эстетикой прямых линий, с новым геометрическим пониманием действительности. Левое панно представляет собой бренное тело человека, которое через астральное тело (правое панно) стремится к божественному озарению (центральное панно). Знаки и символы за спинами женщин имеют оккультный смысл. Звезды на правом панно, образованные соединением треугольников, являются древними символами, заимствованными Теософским обществом для своей эмблемы. Отголоски увлечения эзотерическими учениями обнаруживаются в его небольшой статье, опубликованной им в апреле 1918 года: «Глубинная сущность единства — сияние, оно существует, и только. Сияние сущности единства как на мель наталкивается на физический мир... Луч — символ этого сияния (внутренней сути)».

Лес, ок. 1908-10
Сам художник писал о том времени: «Первое, что мне следовало изменить в своей живописи, – это цвет. Чувствуя, что натурные цвета не могут быть воссозданы на холсте, я заменил их чистыми цветами. Во время этого периода экспериментов я впервые поехал в Париж. Это было около 1910 года, в самом начале кубизма. Несмотря на восхищение Матиссом, Донгеном и другими фовистами, меня сразу же привлекли кубисты, особенно Пикассо и Леже, художники, близкие к абстракции… У меня ощущение, что только кубисты нашли верную дорогу. В течение некоторого времени они сильно на меня влияли».

Натюрморт с кувшином и имбирем II
В 1911 году на выставке кубистов в Амстердаме познакомился с их исканиями, оказавшими значительное влияние на формирование молодого художника. Он совершенно отчетливо понял, что искать Абсолют – а он Абсолют-то как раз и искал – гораздо лучше при помощи кубизма, а не символизма. Вскоре Мондриан отказался в своих картинах от малейших намеков на сюжет, атмосферу, моделировку и пространственную глубину и постепенно сознательно ограничивал выразительные средства. Мондриан начал экспериментировать с формами, упрощать их. По-разному сочетая плоскости изображаемых предметов, он добивался впечатления структурной, ритмичной ясности («Пейзаж. Деревья», 1911/1912). Из попыток запечатлеть дерево, а через него и универсальную структуру мира, и вырастает сам Мондриан. Плетение ветвей и исчезновение ствола – так грубо можно описать эволюцию его полотен, приведших в итоге к геометризму космической силы. Как замечает Хофман, «нелинейное, живописное воспроизведение природы может зафиксировать только определенный аспект, но никоим образом не всю природу (не тотальность природы), - оно является метафорой, искусственным знаком. Этот знак теряет свое значение, как только художник заинтересуется не цветовой массой и не световыми феноменами дерева, а, как Мондриан, их линейными опорами, как только он вознамерится не устремляться к сохранению скоропреходящего впечатления («импрессии»), а захочет напасть на след взаимосвязей измерений и направлений предмета».

Цветущая яблоня. 1912.
Гаага, Гемеентмузем.
«Композиция № XVI, композиция 1 (Деревья)» 1912–1913 гг
Весной 1912 года Мондриан едет в Париж учиться «чистому кубизму», в знак начала новой жизни изменив фамилию на «Мондриан» (Mondrian, [ˈmɔndrijɑn]), знакомится с Пабло Пикассо и Жоржем Браком, выставляет свои работы и даже заслуживает похвалу Гийома Аполлинера. В 1912-1916 годах он, подобно Браку и Пикассо в период аналитического кубизма, отказавшись от ярких красок (которые были присущи ему во время былого увлечения постимпрессионизмом) и начав использовать более приглушенные тона, предпочитая палитру рыжевато-коричневых и серых оттенков. «Натюрморт с горшком имбиря» (1912) уже в полном смысле слова кубистическое произведение. Одна из наиболее крупных работ первого парижского периода Мондриана – «Композиция № 9», называемая также «Голубой фасад».

Автопортрет, 1912-13 гг.
Но вскоре разочаровывается в кубизме: «Кубизм не сделал логических выводов из своих собственных открытий, не довел абстракцию до ее высшей цели. Я чувствовал, что подлинная реальность может быть выражена только посредством чистой пластики». В Париже ему жилось довольно трудно. Работы его не покупали, и он зарабатывал на жизнь, занимаясь копированием картин старых мастеров в Лувре.

Пирс 10, 1915
В 1914 году художник вернулся к отцу, который, как утверждают некоторые биографы, был при смерти (он прожил еще 7 лет, и умер, как было сказано выше в 1921), по другим же данным, молодой художник сильно повредил здоровье во время разгульного отпуска с одной из студенток и вынужден был сражаться с пневмонией, и оставался на родине в течение всей Первой мировой войны. По некоторым данным, когда началась Первая мировая, он гостил у родственников в Нидерландах и не смог вернуться в Францию по причине боевых действий. Постепенно из его работ исчез даже намек на реальную форму. Композиции серии «Море» (1914) по сути уже были абстрактными. Впечатления от бликов света на морском плесе художник выразил механическим чередованием горизонтальных и вертикальных штрихов, иногда крестообразно пересеченных. Например, на картине "Пирс 10" пирс угадывается в этой неброской группе вертикалей внизу, в середине. А дальше – волны, волны… Самое интересное, что, пишучи такие вот картины, Мондриан продолжал честно ходить на пленэр. Т.е. он делал нормальный набросок, совсем как настоящий художник, потом приходил в студию и постепенно выбрасывал из зафиксированного мотива все ненужное. Как Микеланджело – "беру кусок камня и отсекаю все лишнее". Эта работа напоминала как раз ту многолетнюю и мучительную эволюцию дерева. Изображения дерева, понятное дело.

Линии и цветовые комбинации на плоской поверхности
Мондриан стремился передать духовную природу объектов в "ее чистом виде". В 1914 году он объяснил это голландскому искусствоведу Бреммеру в письме следующим образом: "Я выстраиваю линии и цветовые комбинации на плоской поверхности, чтобы выразить красоту самым простым способом. Природа (или, то, что я вижу) вдохновляет меня и побуждает передать ее как можно ближе к истине. Я считаю, что это вполне возможно путем рисования горизонтальных и вертикальных линий, причем это нужно делать не по плану, а руководствуясь интуицией".

«Композиция с цветными плоскостями и серыми линиями», 1918 г.
В 1915 сблизился с художником Тео ван Дусбургом. Под влиянием группы художников и архитекторов - адептов модернизма (Тео ван Дусбург, Вильмос Хусзар, Барт ван дер Лек, Жорж Вантонгерло, Якоб Ауд, Геррет Ритвельд и ван Эстерен) в его творчестве наметился переход от кубистических композиций к чистым геометрическим формам красных, желтых и синих прямоугольников. Совместно с Тео ван Дусбургом основал движение «Стиль» (нидерл. De Stijl) и одноимённый художественный журнал, первый номер которого появился в 1917 году, ставший органом неопластицизма — утопии новой пластической культуры как предельной сознательности в скрупулёзной передаче обобщённой красоты и истины самыми аскетическими средствами, первичными красочными тонами и простыми формами (линии и квадраты, блоки). Таким образом, структуру картины образовывали дихотомии цвет (красный, синий, желтый) — нецвет (белый, черный и серый), вертикаль — горизонталь, большая поверхность — малая поверхность, единение которых должно было символизировать равновесие сил в гармонии мироздания. Изобразительными средствами он объявил плоскости основных цветов в их взаимодействии с плоскостями «нецветов». Композиция должна строиться по принципу противопоставления, из которого рождаются равновесие и гармония. Так возникла его живописная система, главными элементами которой стали пересекающиеся под прямым углом линии и плоскости цвета. Несмотря на предельную ограниченность визуальных средств, творчество Мондриана оказало большое влияние на современников и породило новые направления в живописи и графике. Свои теоретические взгляды «Стиль» стремился распространить и на другие области искусства, предлагая везде и всюду следовать порядок, простоту и ясность.

Композиция с линиями, 1917
В 1917-м году Мондриан нарисовал "Композицию с линиями", для которой впервые не делал никаких этюдов. Отныне никаких заигрываний, рукопожатий и объятий у него с реальностью не было. Раньше он искал абстрактный Абсолют в конкретной действительности, сводя все ее сложное многообразие к неслыханной простоте, отныне же Абсолют стал искаться в абстрактном изначально. Или изображаться изначально абстрактно.

Mondrian: Composition with gray lines, 1919
В 1918 году Мондриан пишет «Ромбоидальную композицию из Серых Линий». В этой работе, насыщенной мистикой линий, перед зрителем встает совершенно иное пространство. В его пересекающихся прямых угадываются бесконечные кресты и треугольники. Последние олицетворяют собой дух, силу, материю и одновременно объединение противоположно действующих сил и Троицы. Геометрическая композиция картины заставила говорить о Мондриане как об авторе урбанистических икон.

Пит Мондриан: Автопортрет, 1918
Это нефигуративное направление Мондриан последовательно развивал во Франции (в Париже), где проживал с 1919. К 1920 году стиль Мондриана полностью сформировался: используя прямые линии жестких контуров, он делал композиции асимметричными, достигая динамического равновесия. К 1925 году эти картины были нарасхват среди элитных коллекционеров Европы.

Вид Винтерсвейка, 1898-99
Люди, которым не нравится абстракция в стиле De Stijl, могут ошибочно предположить, что Мондриан не создавал более сложных картин. На самом же деле, он был весьма талантливым художником не только в абстракции. В различные моменты своей карьеры, он давал уроки рисования, делал наброски для научных исследований, а также рисовал репродукции великих произведений для музеев.


Как ни удивительно, идеи, которые так отразились в его легендарной прямолинейности, сложились под воздействием одного нехитрого изобретения, предназначенного для магазинных упаковок. Позднее, кажется, в Нью-Йорке, он признается: «Единственное гениальное открытие XX века — это скотч». Он был изобретен в 1921 году. Тогда и начинается вторая жизнь Мондриана, тогда он и становится художником. Необычайно ровные линии мондриановских картин, пересекаясь, пульсируют, что наделяет их неким гипнотизмом. Заклеивая скотчем и прорисовывая лишь свободные пространства, автор создает специфический урбанистический образ — карту, схему, деталь шпионской криптограммы, где сам код гораздо эффектней смысла. Но этой самой прямолинейностью завуалировано и стремление Мондриана к математичности, к обретению магического пространства. По мнению Мондриана, именно математика — основа любого эстетического впечатления, и только цвет может служить в живописи математическим средством выражения. В новом искусстве, согласно Мондриану, цвета должны отвечать трем условиям.
Во-первых, к основным цветам следует причислить также естественный цвет, напоминающий слабый свет в природе.
Во-вторых, цветовая плоскость должна быть гладкой, и,
в-третьих, цвет должен быть замкнут в прямоугольных плоскостях.
Вслед за Гете, Мондриан считал, что цвет образуется из материи и света. Свет обожествляется художником как нить, связывающая нас непосредственно с космосом. Именно эта тонкая материя и является магическим ключом к выражению абсолютной формы, заключающей в себе высшие вселенские истины.

Здесь Мондриан вписал в картину
текст Мишеля Сёфора.
Предвосхитил, так сказать,
будущую судьбу своего искусства,
колоссально повлиявшего на дизайн.
16 мая 1928 г.
В 1926 году Мондриан выразил свои наставления художнику в пяти правилах:
  1. «Средством пластического выражения должна быть плоскость или прямоугольная призма основных цветов (красного, синего и желтого) и не‑цветов (белого, черного и серого). В архитектуре пустое пространство должно быть принято за не‑цвет, а строительный материал должен быть принят за цвет.
  2. Необходима эквивалентность пластических средств. Различные по размерам и цвету, они тем не менее имеют ту же ценность. Вообще говоря, равновесие предполагает большую поверхность не‑цвета и меньшую поверхность цвета или материи.
  3. Дуализм противоположности пластических средств требуется уже в самой композиции.
  4. Постоянное равновесие достигается отношением положения и выражается прямой линией (границей пластического средства) в ее принципиальном противопоставлении.
  5. Равновесие, которое нейтрализует и устраняет пластические средства, создается отношением пропорций, в которых они взяты и которые являются источником живого ритма».
Мондриан в своём ателье в Париже
Андре Кертеш. "Пит Мондриан в своем ателье"
Gertrud Stemmler, Willi Baumeister, Julius Herburger,
Piet Mondrian, Michel Seuphor, Margarete Baumeister
Самый известный фотопортрет художника был сделан в его парижском ателье Андре Кертешем (Kertész). На нем Мондриан изображен таким, каким его хотели видеть: холодным аналитиком, инженером с апломбом мессии. Он чем-то похож на Макса Планка. Но, в конце концов, сгодится любая ложь, если она всех устраивает. Нет, Мондриан был другим. Он оставался мистиком и страстным певцом урбанизма, наступление которого художник видел прежде всего в свете и в звуке, который олицетворял собой джаз.

Пит Мондриан. Фокстрот А Пит Мондриан. Фокстрот Б
Еще до поездки в Париж он был помолвлен с некой Гретой Хейбрук, но свадьба не состоялась. «Ты, очевидно, слышала, — писал он потом своей знакомой, — что осенью я едва не женился. К счастью, вовремя понял, что вся эта красота — не более чем иллюзия». Вместе с тем он вовсе не был мужским вариантом «синего чулка». В 50 лет научился танцевать чарльстон, чем немало гордился, увлекался джазом, даже посвятил ему специальную статью. В 1920 году корреспондент одной из газет посетил Мондриана в его парижской квартире. «Тут я обратил внимание на последнюю работу художника, — пишет журналист, — на полотне, натянутом на мольберте, была изображена плоская геометрическая композиция. Ни в красках, ни в линиях я не заметил ни малейшей последовательности или закономерности, но от них исходило какое-то неуловимое чувство гармонии, спокойствия, уверенности. «Картина называется «Фокстрот», — сказал Мондриан, — ощущаете в ней легкие ритмические движения?» Нет, ничего такого я не ощутил, но от моего собеседника исходили такая воля, уверенность, сознание своей правоты, а возможно, и фанатизм, что я невольно стал смотреть на картину другими глазами. Не вложил ли в нее художник все эти чувства? Не в этом ли и была ее разгадка?» Однажды он не поехал к заказчику из Парижа в Дрезден, потому что боялся поезда. Именно так он объяснил причину своего отказа. Он не любил зеленый цвет, никогда не использовал его в своих работах и всегда старался так расположиться в пространстве, чтобы никакие деревья не «маячили» у него перед глазами.

Мондриан объединил дом и рабочее пространство
Вместо того, чтобы обзавестись отдельной студией, он объединил свой дом и рабочее пространство, с удовольствием приглашая друзей попить чаю у него в гостиной прямо среди работ. В своих квартирах в Лондоне и Париже, Мондриан "усовершенствовал" эту систему, создав своего рода 3D-версию своих работ, покрасив стены квартир в свойственной ему технике.

Андре Кертеш. "В студии Мондриана, Париж"
Андре Кертеш. «Трубка и очки Мондриана»
Парижская квартира Мондриана, его трубка и очки запечатлены на минималистских фотографиях Андре Кертеша (1926), ставших эмблемными для современного фотоискусства.


В 1930-х годах художник разрывал или удваивал черную линию, стремясь к резких контрастов. При этом в отличие от «ярких» работ он ограничивался двумя, а чаще одним цветом («Композиция с синим», 1937).

Агитка Мондриана
В 1937 году две картины Мондриана были включены в "Выставку дегенеративного искусства" Гитлера, где демонстрировались работы выродившихся, на взгляд нацистов, художников. Тем самым, Мондриан был включен в нацистский черный список. Впрочем, он особенно этим не напуган. Наоборот ненависть фашистских искусствоведов он воспринимает как похвалу.


Тем не менее, художник не стал ждать, чем это закончится, и в 1938 году бежал в Лондон, где снимает весьма скромную мастерскую.

Трафальгарская площадь, 1939-1943Площадь Согласия, 1938-1943
В Лондоне он приступил к работе над масштабными композициями «Трафальгарская площадь» и «Площадь согласия».


7 сентября 1940 года (по одной из легенд, 21 сентября, после того как пережил настоящий шок, от упавшей рядом с его мастерской немецкой бомбы) он перебирается в США, в Нью-Йорк, где его назвали «одним из величайших беженцев из Европы»

Автопортрет. 1942 г.

и в 1942 году устроили первую и последнюю прижизненную ретроспективную персональную выставку в Галерее Дуденсинг в Нью-Йорке. В Нью–Йорке Мондриан сразу же влился в мир местной творческой элиты, и занялся не только живописью, но и изучением типично американского танца — «Буги-вуги». Он оказывал поддержку американским художникам-абстракционистам, а его бывший партнер по танцам Пегги Гуггенхайм стала преданным сторонником и участником выставок работ художника. В этот период творчества Мондриан начал использовать более сложные элементы в картинах, такие как двойные линии, а также и линии ярко-желтого, а не черного цвета.

"Буги-вуги на Бродвее", 1942-1943
Мондриан попытался приспособить принципы неопластицизма для передачи динамических эффектов («Буги-вуги на Бродвее»). Теперь линии, подчиняясь ритмам джаза и буги-вуги, дробятся маленькими цветными квадратиками, а черная сетка становится не обязательной. Фильм «Серенада солнечной долины» — еще одно откровение американской культуры — дает новый импульс творчеству Мондриана.

Мондриан считал, что искусство опирается на интуицию, а не инстинкт – этому посвящена последняя его большая работа «A new realism», изданная незадолго до смерти художника Пегги Гуггенхайм. Но, скорее всего, инстинкт управлял его политическими взглядами: он ненавидел тоталитаризм и даже уравнял в одном из текстов нацистское и советское государство. Впрочем, после объединения СССР и союзников он смягчил свою позицию в этом вопросе.

"Победа буги-вуги", 1942-1944
Музей Гуггенхайма, Гаага
"Победу буги-вуги" называют кульминацией неопластицизма и квинтэссенцией фирменного мондриановского стиля. Картина знаменует новый период его творчества, но в ней также можно разглядеть влияние ранних кубистических экспериментов художника. Отличительная особенность картины — ее ромбовидная форма (холст повернут на 45 градусов). Пневмония не позволила Питу Мондриану закончить этот последний шедевр, который, как говорят, создавался под музыку Луи Армстронга, Глена Миллера и яростный напор саксофонов оркестра ВВС США.


Мондриан в возрасте 71 года умер 1 февраля 1944 г., немного не дожив до того дня, когда союзники высадились в Нормандии. Его могила на старом нью-йоркском кладбище Cypress Hills в Бруклине отличается от тысяч других только набором букв и цифр. Это типичный американский погост, где у всех надгробных камней четырехугольная форма, и издали они напоминают противотанковые надолбы на поле исторической битвы. Там больше не хоронят.

студия Мондриана, 1944
Но дело Мондриана не умерло и после его смерти. Оформление нью-йоркской студии Мондриана, в которой он проработал лишь несколько месяцев и которое было тщательно воссоздано его друзьями и последователями на фото- и киноплёнке, стало как бы последней работой мастера, эти «Стенописи» демонстрировались на выставках в Нью-Йорке, Лондоне, Токио, Сан-Пауло, Берлине.

Нео-пластицизм. Интерьер
Тотальное искусство не знает границ. Архитекторы «Стиля» занялись конкретным переустройством мира. В 1918 году Якобуса Иоганнеса Питера Оуда назначили главным архитектором Амстердама. Ритвельд конструирует интерьеры из стандартных составляющих и строит знаменитый сегодня дом Шредера в Утрехте, а Ван Дусбург вместе с де Бором проектирует школы и дома для рабочих. Сближение с Баухаусом оказывается решающим событием для голландского конструктивизма. Среди последствий – не только влияние на Миса Ван дер Роя и Ле Корбюзье, но и разрыв «Стиля» с Мондрианом, случившийся в 1925 году. Возможно, тому перестало хватать абстрактного в том типе утопии, на котором настаивал Ван Дусбург. А может, им просто стало тесно в одном пространстве. Ван Дусбург сам был ярким теоретиком, именно он ввел термин «конкретного искусства» как противоположность абстрактному (в последнем термине не отражается суверенность искусства, отказавшегося от воспроизведения эмпирического мира). «Если совлечь с природы покров ее форм, то останется только стиль», заявил он еще в 1912 году. Обнажать стиль может только искусство; Ван Дусбург видел в нем замену религии. Но сильная личность несет в себе и угрозу всему, что создает: после смерти Ван Дусбурга «Стиль» распался... Немецкое движение Bauhaus было сфокусировано на функциональности и эффективности дизайна. Архитекторы, как и Мондриан, использовали упрощенные линии и теорию цвета голландского художника. В течении минимализма, которое возникло в 1960-е годы в Нью-Йорке, использовались геометрические формы и ограниченная цветовая палитра, подобно нео-пластицизму.


Кортасар недаром сравнивал схему парижского метро с древом Мондриана. Собрав все созданное художником в одно единое полотно, можно получить самую развернутую панораму кносского лабиринта. Каждая новая работа — это тупик. Сознательная попытка заблуждения и лихорадочное бегство от победы, символом которой является Минотавр.


Мондриан стал вдохновением для моды. В 1965 году французский модельер Ив Сен Лоран разработал шесть коктейльных платьев (осень-зима 1965—1966), которые он назвал коллекцией Мондриана. Каждое из этих платьев имело очень простую форму, а цветовая гамма была белой, с черными линиями и цветными прямоугольниками. Платье стало легендарным. Очень многие сегодня хотят иметь его в своём гардеробе, поэтому отыскать оригинал 60-х годов очень сложно, но если вдруг и улыбнётся удача, то стоимость платья будет составлять не менее 3000 долларов. Коллекция «мондриановских платьев» Ив Сен Лорана хранится в музее Виктории и Альберта.


Впрочем, еще в 1930-х годах французский модельер Lola Prusac, работавшая в то время на парижский модный дом Hermès, создала линейку чемоданов и сумок, вдохновлённую поздними работами Мондриана: со вставками из красных, синих и жёлтых квадратов кожи.



Идея великого кутюрье приобрела широкое распространении и актуальна до сих пор. Привлекательность работ Мондриана для представителей модного кластера в целом понятна: с одной стороны, это геометричность, которая актуальна для дизайнеров совершенно разного толка, с другой — колористика, состоящая из основных цветов, которые не размениваются на оттенки и полутона. Все дизайнеры, работавшие с наследием абстракциониста, выбирают собственные темы для референсов. Для Дианы фон Фюрстенберг и Эрве Лежера такими стали четкие темные полосы, разграничивающие блоки разных цветов, в то время как Moschino практически дословно процитировали самое известное полотно художника, лишь заменив квадратную вставку красного цвета изображением сердца. Но чем ближе к современности, тем больше дизайнеры стараются отказаться от непосредственного заимствования и приблизиться к более тонким намекам. Например, летняя коллекция сумок Céline — наглядная демонстрация этого принципа: здесь Фиби Файло позаимствовала у Пита Мондриана те самые живые, яркие и чистые цвета; так же поступил и Раф Симонс, создавая платья для своей первой круизной коллекции в качестве креативного директора дома Christian Dior. Alexander McQueen же, в свою очередь, использовали принцип "и вашим, и нашим": балетки из их весенней коллекции практически идентичны мондриановским настроениям, зато платье в стиле трайбал из того же предложения показывает, как легко и непринужденно можно превратить абстракцию в этнику.


Дизайн велосипедов и одежды компании La Vie Claire на протяжении 1980-х годов был вдохновлен работами Мондриана.


Французский лыжный и велосипедный производитель оборудования LOOK, также выступивший спонсором команды, использовал некоторое время логотип, вдохновленный Мондрианом. Стиль был возрожден в 2008 году для ограниченного периода издания.


В 1970-е годы в телевизионном музыкально-комедийном шоу "Семья Партридж", основанном на реальной жизни музыкальной семьи "The Cowsills" (популярной в США группы конца 1960х - начала 1970х годов), разрисовали школьный автобус Chevrolet 1957 в стиле Мондриана.


Обложка второго альбома "Tone Soul Evolution" (1997) американской психоделической поп/инди-рок-группы "The Apples in Stereo" , была вдохновлена Питом Мондрианом.


Обложка пятого и последнего альбома "Young Modern" (2007)  австралийской рок-группы Silverchair's - дань Питу Мондриану "Композиция II красного, синего и желтого".

«Hello World» на языке Piet
Мондриан был настолько известным, что даже программисты относятся к нему с огромным уважением, считая, что абстрактные картины художника похожи на некий эзотерический язык программирования. Дэвид Морган-Мар хотел назвать свой уникальный язык программирования "Mondrian", но назвал его в итоге "Piet" (именно так звучит имя художника на голландском). Программный код (программа) в языке Piet выглядит как постживописная абстракция. Основной элемент языка Piet — цветной блок, т.е. блок любого числа смежных коделов одного цвета, ограниченных блоками другого цвета либо краем графики программы. Цветные блоки, смежные только диагонально, не считаются смежными. Цветной блок может быть любой формы и может иметь «дыры» других цветов внутри, которые не являются частью блока.


Всего используется 20 различных цветов. 18 цветов первых трёх строк в таблице связаны циклически двумя следующими циклами:
  • Цикл оттенков: красный → жёлтый → зелёный → голубой → синий → фиолетовый → красный
  • Цикл яркости: светлый → нормальный → тёмный → светлый
При этом подразумевается, что светлый темнее, чем тёмный, и наоборот. Белый и чёрный цвета не входят в циклы. Дополнительные цвета также могут использоваться, хотя их эффект зависит от реализации. В простейшем случае нестандартные цвета рассматриваются интерпретатором языка как белый (в другом случае они могут использоваться как аналогичный чёрному).

Еще примеры программ на Piet


Художественные вариации Hello World


Джеймс Дессарт разработал «Hello World», похожий на картину Мондриана.


«Hello World» Tom Boothby с глобусом посередине.


Matthias Erns создал поразительную программу. Это две разные программы в одной - она ​​запускается и производит различный вывод в зависимости от заданного размера кодера! При размере кодера 1 печатает «Hello world!», но с размером кодера 2 печатает «Piet».


Greg Hendrickson сочинил для своей любимой в «Piet» карточку «День святого Валентина».


Anthony Maës говорит, что его программа - это дань уважения Алексею Пажитнову. Нет, увы, это не реализация тетриса с помощью Piet, но он печатает «Тетрис», и каждый цветной блок кода имеет форму кусочка тетриса!


Matthias Ernst написал на языке Piet интерпретатор (переводчик) еще одного эзотерического языка программирования, а именно - Brainfuck. Программа Piet принимает программу Brainfuck с командной строки (STDIN) и и выводит данные на экран (STDOUT). Например, ввод ",+>,+>,+>,+.<.<.<.|sdhO" будет генерировать вывод слова "Piet". Таким образом, сценарий можно также назвать «конвертером Brainfuck2Piet».


Jonathan Couper-Smartt пишет: Эта программа вычисляет день недели за любой год в диапазоне 2000-2099 включительно. Программа запросит три целых значения, которые вводятся в следующем порядке:
  1. 4-значный год-с-столетием (диапазон 2000-2099 включительно).
  2. Число месяцев (диапазон 1-12 включительно).
  3. День месяца (диапазон 1-31 включительно).
Затем программа распечатает день недели в диапазоне: 0 = Воскресенье, 1 = Понедельник и т. д. до 6 = Суббота.


Eddy Ferreira написал программу, которая поможет ему подсчитать количество бутылок пива на стене, согласно песне "99 Bottles of Beer".


François Tavin составил программу вычисления степенной функции (power function). Франсуа говорит: "Создав основу алгоритма, я решил изменить его, чтобы иметь приятную картинку, соответствующую понятию силы (другое значение слова power в английском). Вот почему программа выглядит как слон" (или свинья, я должен признать ...: -P).


Sylvain Tintillier предлагает метод генерации простых чисел с использованием Piet. Выяснить, как это работает, легко, он говорит: «Просто посмотрите на bitmap *растровое изображение)!»


Эта программа печатает первые 100 чисел Фибоначчи. Он показан с разрешением 1 пиксель на кодель и два раза по 121 пикселя на кодель. Вторая копия с наложенной черной линией, показывает поток программы, начиная с верхнего левого угла. Поток устанавливает начальные записи стека и печатает первые два числа перед входом в петлю на темно-синей кодовой панели в центре левого края. Цикл выполняется по часовой стрелке, присоединяясь к темно-синему коду. Ветвь в длинном зеленом блоке внизу - это тест, проверяющий, был ли напечатан 100-й номер. Если это так, код разветвляется до красного блока и завершается там. Обратите внимание: желтый → синий переход на обеих точках входа в цикл - это команды «указателя», определяющие повороты DP, необходимые для получения DP-указателя в правильном направлении для отслеживания цикла. Незначительные кодировки остаются белыми, чтобы подчеркнуть читабельность кода, но на практике они могут быть заполнены другими цветами для большего художественного эффекта. Единственной значимой белой кодовой книгой является слайд от синего до желтого непосредственно перед повторением цикла, требуемый для перехода от желтого к темно-синему для команды «указатель».
Примечание: Сообщается, что эта программа может быть ошибкой; Когда трассируется с помощью nPiet, он переходит в бесконечный цикл.


Эта программа решает проблему «Башни Ханоя». Была написана Sylvain Tintillier. Не спрашивайте меня, как это работает, я понятия не имею!


Программа для сусликов от Коробова Михаила. С ее помощью суслики(и не только) могут узнать, с какой скоростью им следует размножаться, чтобы удвоить свою численность за X лет. Работать с программой очень просто: вводишь X, получаешь %, на который стоит увеличивать свою популяцию за год.


Программа от f.rodrigues, которая выводит на экран 42. Внизу мини-версия той же программы.


Существует также программное обеспечение "Mondrian", разработанное компанией Pentaho для интерактивной визуализации статистических данных в JAVA.


Находка Мондриана нашла поддержку в исторической зависимости печатного набора от прямоугольника; дизайн по-мондриановски оказался чрезвычайно удобным для полиграфии. Однако с наступлением компьютерной эры прямоугольник перестал играть какую-либо заметную роль в технологиях печатного дела, а «The End of Print» Дэвида Карсона довершил дело на концептуальном уровне, отправив мондриановский дизайн назад в область чистой эстетики. Но тут случилось непредвиденное — с возникновением Интернета ситуация вернулась на круги своя. Сегодняшняя модель визуального представления веб-страницы подразумевает отображение структуры документа посредством прямоугольных блоков. И вот мы наблюдаем новое победное шествие Мондриана — на сей раз по экранам наших компьютеров.

У Мондриана интересно то, что, во-первых, линии доминируют над прямоугольниками, и во-вторых, прямоугольников всегда неопределённо много и их взаимоотношения довольно сложны. Это структуры, где в принципе может быть любое число элементов. Поэтому дизайн по-мондриановски можно рассматривать как способ организации меняющегося потока элементов. Что как нельзя более подходит для веб-страниц, предполагающих возможность интерактивного взаимодействия с пользователем и соответственно меняющееся содержание. Стоит заметить, что такой дизайн не создаёт законченного целого (так как число элементов каждого отдельного «кадра» потока неизвестно).

Для организации известного пространства, где размещено известное количество элементов, классический дизайн использовал пропорции, соотнося элементы и целое. В ситуации неопределенного количества элементов на пространстве неопределенной формы это в принципе невозможно (я просто перевожу на абстрактный язык ситуацию, известную каждому веб-дизайнеру — мы не знаем, на каком устройстве пользователь просматривает наш сайт). В каком-то смысле в веб-дизайне предмет лишился формы, а следовательно, исчез как предмет.

Пит Мондриан: Дерзкая особа

Composition with Red Blue and Yellow (1930)
В одном из эпизодов первого сезона британского сериала «Виртуозы» (Нustle) группа мошенников крадёт картину Пита Мондриана "Composition with Red Blue and Yellow" (1930) из художественной галереи, а затем подделывает, создавая новую «его» картину, в действительности не существующую, выдавая её за раннее творчество художника.


Фасад здания мэрии в Гааге к  100-летию «Де Стейл» раскрасили в духе картин Пита Мондриана.


В Санкт-Петербурге был дом, выкрашенный под одну из картин Мондриана «Composition with Red, Yellow, Blue and Black». Находился он по адресу: Набережная реки Мойки д.102 (снесён 28 октября 2013 года).


В Химках, в «Городе Набережных» пешеходные переходы выполнены в стиле картин Мондриана.


На станции метро «Румянцево» Московского метрополитена в стиле Мондриана окрашены путевые стены. Анатолий Тарасов,  главный архитектор проекта станции метро «Румянцево»: "Насколько я помню, Мондриан не любил зеленые цвета, у него чаще желто-красно-черное… Но можно сказать, что мы работали по мотивам, наподобие Мондриана. Изначально идея была совсем другая: станция планировалась как пешеходная торговая улица. Вышел из поезда и попал в улочку — переходишь из дома в дом, стены были отделаны, как витрины лавочек и магазинчиков, двери зданий. Но вариант не прошел, а так как что-то нужно было делать, мы пришли к варианту а-ля Мондриан. Нам очень не хотелось делать что-то бедненько и бледненько — по принципу «ну раз на окраине, то и так сойдет». К тому же там есть бизнес-центр «Румянцево», раскрашенный в красно-малиновые вертикальные полосы и серые панели, так что мы внесли в облик станции красные пятна".



Хочешь стать сам себе мондрианом? Тогда, вот генератор.


А вот еще интересный и простой в использовании онлайн-мондриан-генератор - MONDRIMAT. Элементы управления достаточно просты:
  • Нажмите на правую 1/3 в цветном блоке, чтобы разбить его поперек.
  • Нажмите на нижнюю 1/3 блока, чтобы разделить его вверх и вниз.
  • Нажмите где-нибудь еще в блоке, чтобы изменить его цвет.
  • Перетащите линию разделения блока (маркер изменится на стрелочки вверх-вниз) для изменения размеров блоков.

В 2006 году в Винтерсвейке (на востоке Нидерландов), где с 1880 по 1892 год жил Пит Мондриан, установлен Мемориал Мондриана (Mondriaanmonument), разработанный художниками Альбертом Дедденом и Полом Кейзером, на котором художник сидя на стуле горизонтально перед "Композицией в красном и черном 1936 года". С обратной стороны изображено дерево. Скульптура выполнена в черно-белом стиле, но в ночное время освещается типичными для Мондриана цветами: желтым, синим и красным.


Барбара Хепуорт (Hepworth) посвятила в 1966 Мондриану раскрашенную бронзовую скульптуру Строительство (Распятие): Памяти Мондриана, которая находится недалеко от собора Винчестер.


Обводка и краски — вот и все! «Фирменные» приметы стиля Пита Мондриана не спутаешь ни с чем, воплощение в макияже — проще не придумаешь. Ежедневно в таком макияже, конечно, ходить не будешь, но на Хеллоуин - то что надо. Хотя, почему бы и ежедневно не использовать.. некоторые элементы.


Ну, и маникюр в комплекте.

Дань уважения Мондриану
Тае Китаката и Бриттани Пауэлл (Tae Kitakata и Brittany Powell) представили в рамках проекта Low-Commitment Project серию работ под названием «Sandwich Artist». Из колбасы, сыра, кетчупа и других нехитрых ингредиентов художники собрали на ломтике хлеба упрощённые версии знаменитых авангардных полотен. В результате, не простые для восприятия картины Марка Ротко, Джексона Поллока, Пита Мондриана и других деятелей искусства предстали в более «удобоваримом» виде.Творческая манера Пита Мондриана была воссоздана при помощи мозаики из белых прямоугольников сыра и редких цветных вставок из кусочков помидора и базилика.


Художница Ida Skivenes создает яркие рисунки на обычных бутербродах, в том числе и "копии" картин великих художников.


Анна Ротштейн (Hannah Rothstein), фотограф из Сан-Франциско, задумалась над тем, как могли бы выглядеть наши обеды, если бы они были созданы руками великих художников. К великому празднику Благодарение юная фотограф создала специальную фотосессию под названием «Thanksgiving Special», которая показывает разные блюда глазами разных именитых художников, в то числе и Пита Мондриана.

Piet Mondrian. Watermelon, cheese, yoghurt, chocolate
Известные картины из еды... Стилист и фотограф Tatiana Shkondina

Рецепт торта Mondrian

Для теста:
сливочное масло, комнатной температуры — 250 г;
сахар — 250 г;
соль — 1 щепотка;
яйца — 7 шт;
мука — 150 г;
кукурузный крахмал — 100 г;
ванилин — 1 чайная ложка;
разрыхлитель — 1 чайная ложка;
какао-порошок (несладкий) — 2 столовые ложки.


Для сборки:
сгущенное молоко с сахаром (или варенье, если вы предпочитаете) — 2 столовые ложки.

Для украшения:
шоколадная стружка — 200 г;
густые сливки — 200 г;
сливочное масло -1 столовая ложка;
какао порошок
трафарет по вашему выбору


Взбиваем масло и сахар, добавляем желтки, по одному.
Объединяем муку и крахмал, добавляем в яично масляную смесь.
Взбиваем яичные белки с щепоткой соли, затем яичные белки добавляем к остальным ингредиентам.
Делим смесь на две части. В одну часть добавляем ванилин, а в другую какао порошок.
Смазываем форму маслом. Выпекаем следующим способом:
Выкладываем в форму пару столовых ложек белого жидкого теста тонким слоем на дно формы. Выпекаем в течение примерно 2/3 мин. Достаем форму из печи и выкладываем пару столовых ложек шоколадного теста на первый слой и выпекаем. Повторяем этот процесс, пока все жидкое тесто не будет израсходовано.
Вынимаем из духовки и остужаем.
Разрезаем на части как показано на фото. Берем две части и «склеиваем» их сгущенным молоком (или джемом). Накрываем полиэтиленовой пленкой, и оставляем на несколько часов.
Для приготовления шоколадной глазури в кастрюле нагреваем сливки. Добавляем шоколадную стружку или просто измельченный шоколад и готовим до полного растворения шоколада. Добавляем 1 ст. л. сливочного масла и взбиваем, пока не растает масло.
Покрываем торт шоколадной глазурью и охлаждаем.
Для украшения на торт выкладываем трафарет и посыпаем какао порошком.


В простом шоколадном батончике может быть спрятан настоящий шедевр – стоит только откусить кусочек. Американская художница Кэйтлин Вильямс Фримен (на коллаже справа вверху), вдохновляясь произведениями современного искусства, представила разноцветный десерт Mondrian Cake в San Francisco Museum of Art.

Майя Сменд, «Торт Баттенберг а-ля Мондриан»
Призер конкурса "Лучшее кулинарное фото-2015"
«Баттенберг» (англ. Battenberg cake) — бисквитный торт с марципановой глазурью. Выпекается из двух коржей: один розового, другой жёлтого цвета. Коржи разрезаются и скрепляются абрикосовым джемом между собой так, чтобы на срезе получилась характерная для баттенбергского торта шахматная клетка розового и жёлтого цвета. По одной из версий торт получил своё название в честь бракосочетания в 1884 году внучки королевы Великобритании Виктории принцессы Виктории Гессенской с принцем Людвигом Баттенбергом. Каждая шахматная клетка якобы символизировала четырёх Баттенбергов: Людвига, Александра, Генриха и Франца Иосифа. Впрочем, ранние рецепты также используют альтернативные названия «Пирог Домино» (рецепт Агнессы Берты Маршалл, 1898), «Неаполитанский рулет» (рецепт Роберта Уэллса, 1898), или «Витражный пирог» (или просто «Церковное окно»). Согласно «Оксфордскому компаньону по еде», название «торт Баттенберга» впервые появилось в печати в 1903 году. К слову, черные и белые шашки на аварийных автомобилях в Великобритании официально называются маркировкой Баттенберга из-за их сходства с клетчатым рисунком пирога Баттенберга.

Ваза для цветов Mondri датского дизайнера Франка Кердила

Комментариев нет :

Отправить комментарий